Error get alias
Отчет о проделанной работе: «Красный кружок» — объединение студентов мастерской Авдея Тер-Оганьяна
Отчет о проделанной работе: «Красный кружок» — объединение студентов мастерской Авдея Тер-Оганьяна
В декабре «Красный кружок» представил свои работы в ЦТИ «Фабрика». Показываем, как это выглядело, и рассказываем о художниках мастерской Авдея Тер-Оганьяна, работавших над отчетом.
Виолетта Гришина
Художница, родилась в 1978 году, живет и работает в Самаре.
В экспозиции представлены работы из серии «Псевдошедевры». Считается, что одним из критериев «шедевра» является то, что называют «ни прибавить, ни убавить», любое изменение разрушит достигнутую гармонию. Художница подвергла сомнению этот принцип. С помощью базовой программы Windows Paint в репродукции классиков абстрактного экспрессионизма были внесены микроизменения.
В экспозиции представлены работы из серии «Псевдошедевры». Считается, что одним из критериев «шедевра» является то, что называют «ни прибавить, ни убавить», любое изменение разрушит достигнутую гармонию. Художница подвергла сомнению этот принцип. С помощью базовой программы Windows Paint в репродукции классиков абстрактного экспрессионизма были внесены микроизменения.
Оказалось, что живописный язык этих художников настолько сильный и самодостаточный, что все цифровые манипуляции не смогли на него повлиять. Без взгляда на оригинал трудно сразу догадаться, какие живописные элементы дублировались, какие вовсе убирались.
Оригинал работы Ханса Хартунга
Работа Ханса Хартунга после цифровых манипуляций
Также в отчете можно увидеть работы «Красные рыбы» №1 и №2.
С помощью программы Windows Paint художница проводит манипуляции с репродукцией Анри Матисса «Красные рыбы». Современники критиковали французского художника за декоративность, Виолетта в этом видит, наоборот, положительную сторону — легитимизацию орнамента в живописи. Художница тиражирует отдельные элементы картины Анри Матисса и выпускает рыб из банки в свободное плавание, а растительности позволяет поглотить знаменитый сюжет.
Миша Зотов
Художник, родился в 1994 году, живет и работает в Саратове.
В экспозиции представлены несколько работ из серий «Классический Мондриан», «Материалы», «Юмор» и «Абстракции».
В экспозиции представлены несколько работ из серий «Классический Мондриан», «Материалы», «Юмор» и «Абстракции».
Художнику интересен поиск красоты в простых, «общедоступных» предметах, которые едва ли могут быть восприняты — в бытовом контексте — как предметы искусства. Работая с такими материалами или предметами, Миша Зотов вступает в диалог со зрителем (даже иногда бросает вызов) — зритель вполне мог создать такое же произведение сам, но не создал. В этом диссонансе «искусство — не искусство», «высокое — низкое», «простое — сложное» и возникает ирония, возникает несоответствие, порождающее красоту.
«Классический Мондриан» предлагает новое прочтение и восприятие творчества Пита Мондриана и рассмотрение его в том числе в ироническом контексте.
«Классический Мондриан» предлагает новое прочтение и восприятие творчества Пита Мондриана и рассмотрение его в том числе в ироническом контексте.
«Материалы» (в правом нижнем углу под работами серии «Классический Мондриан») предлагают зрителю увидеть новые идеалы и красоту в материалах, с которыми зритель взаимодействует почти ежедневно в быту.
«Юмор» — работы из этой серии про простоту и минималистичность. Работы ироничные, но рассказывают про красоту и раскрывают ее.
«Юмор» — работы из этой серии про простоту и минималистичность. Работы ироничные, но рассказывают про красоту и раскрывают ее.
«Абстракция 204», с одной стороны, отсылает зрителя к классическим абстракциям русской школы, с другой стороны, к абстрактной школе в целом.
Классические абстракции по большей мере старались избегать использования круга: чаще использовались квадраты, прямоугольники, линии, на крайний случай — полукруги. Также классическая абстракция чаще всего была выполнена в цвете. Кроме того, в работе есть противопоставление — точные, «идеальные» формы окружностей сочетаются с «неправильными» формами кривых палочек, что придает работе внутреннее напряжение.
Обмен опытом с легендарным московским концептуалистом и основателем первого в России artist-run space. В мастерской приветствуется ирония, самокритика и верность собственному художественному событию.
Мастерская Тер-Оганьяна
Юлия Кокуева
Художница, родилась в 1981 году в Астрахани, живет и работает в Бордо, Франция.
«Кружочки 5» и «Кружочки 7», 2020
«Кружочки» вблизи
Художница отмечает важность игры со зрителем: «...это дает возможность зрителю самому додумать произведение, открыть для себя его смысл, вложив в него свое видение, стать моим соавтором». В живописи серии «Кружочки» игрой становится поиск редких цветных точек среди множества монохромных и переменное переключение внимания между хаотичным потоком и яркими акцентами.
«Кружочки 1», 2020
«Кружочки 4», 2020
В зеркальных коллажах зритель сначала видит внешние формы — свое отражение, окружающее пространство, отсылающий к Анри Матиссу женский силуэт. Затем добавляется представление о себе, которое в свою очередь является совокупностью интерпретаций внешнего мира о человеке. Следующим слоем может стать понимание присутствия в себе женского начала, вызывая (или нет) приятные, дискомфортные или иные чувства.
Игра дает зрителю ощущение значимости. «Все вокруг человека есть разные грани отражения его самого», — считает Юля.
Андрей Крюк
Художник, родился в 1976 году, живёт и работает в Санкт-Петербурге.
«Натюрморт», 2020
В своих работах Андрей анализирует внешние и внутренние изменения, которые влияют на человека и принимаемые им решения. Это исторические условия, выбор идеалов, отношение к жизни и смерти. Часто образ рождается после размышления на волнующую автора тему, а средства выбираются интуитивно.
Так, монументальная серия изображает вымышленные, но не исключающие случайного совпадения с реальными памятники. В ней сочетаются воображаемая массивность объекта и невесомость пленки, серьезность темы и ирония используемых материалов. Художник не ставит перед собой никаких границ в использовании медиумов. Помимо традиционных, проверенных временем материалов — масла, акрила и акварели, он использует ПВХ и зеркальные пленки, отражающие поверхности.
Андрею интересно создавать работы, которые сложно запечатлеть на фото. Для него важно, чтобы зритель увидел оригинал, потому что расположение работы в пространстве, освещение, угол зрения влияют на образ, который автор первоначально создал в своей работе, меняя его. Кроме того, это игра с виртуальностью нашего мира, в котором сложно побудить человека прийти на выставку и посмотреть произведения искусства вживую.
Андрею интересно создавать работы, которые сложно запечатлеть на фото. Для него важно, чтобы зритель увидел оригинал, потому что расположение работы в пространстве, освещение, угол зрения влияют на образ, который автор первоначально создал в своей работе, меняя его. Кроме того, это игра с виртуальностью нашего мира, в котором сложно побудить человека прийти на выставку и посмотреть произведения искусства вживую.
«Монумент», 2020
«Монумент», 2020
Так, монументальная серия изображает вымышленные, но не исключающие случайного совпадения с реальными памятники. В ней сочетаются воображаемая массивность объекта и невесомость пленки, серьезность темы и ирония используемых материалов. Художник не ставит перед собой никаких границ в использовании медиумов. Помимо традиционных, проверенных временем материалов — масла, акрила и акварели, он использует ПВХ и зеркальные пленки, отражающие поверхности.
Андрею интересно создавать работы, которые сложно запечатлеть на фото. Для него важно, чтобы зритель увидел оригинал, потому что расположение работы в пространстве, освещение, угол зрения влияют на образ, который автор первоначально создал в своей работе, меняя его. Кроме того, это игра с виртуальностью нашего мира, в котором сложно побудить человека прийти на выставку и посмотреть произведения искусства вживую.
Андрею интересно создавать работы, которые сложно запечатлеть на фото. Для него важно, чтобы зритель увидел оригинал, потому что расположение работы в пространстве, освещение, угол зрения влияют на образ, который автор первоначально создал в своей работе, меняя его. Кроме того, это игра с виртуальностью нашего мира, в котором сложно побудить человека прийти на выставку и посмотреть произведения искусства вживую.
В своем творческом поиске художник опирается на анализ работ художников-новаторов своего времени — древнегреческих скульпторов, старых мастеров — Энгра, Веласкеса, Джотто, авторов XX века — Малевича, Дюшана, Ман Рея и других.
Олег Семёновых
Художник, родился в 1970 году, живет и работает в Челябинске.
Олег работает в нескольких форматах современного искусства — живопись, аудио- и видеоарт, музыка. Их объединяют свободный коллажный подход и нарочитая профанная форма.
«5 минут заката», 2020
«Тени», 2020
Стиль живописных работ художника — искаженные упрощенные формы и кажущаяся недоработанность, с одной стороны, затрудняет восприятие их зрителем, с другой — развязывает им руки. Вольность, с которой художник высказывает свои идеи и компонует живописные «измы» 20 века, позволяет зрителю ответные вольности в интерпретации его работ. Используемые Олегом приемы — непосредственность в изображении форм, их дурацкость, неряшливость линий, сложный фон — и сюжеты отсылают одновременно и к модернистским направлениям — дада, арт-брют, экспрессионизм, и к московскому концептуализму, составляя вместе абсурдную яркую смесь.
Тара Тарабцева
Художница, родилась в 1987 году, живет и работает в Москве. В экспозиции представлены три направления работы художницы: абстрактные поверхности, дольмен и инсталляция.
Тканевые абстракции «Дорожный бегун» получили название в честь персонажа из серии короткометражных мультсериалов о Хитром койоте и Дорожном бегуне. Можно сказать, что представленная серия — это кросскультурное исследование понятия красоты, где утилитарная вещь (сигнальный жилет) или разрушается, чтобы быть по-новому собранной в абстрактном коллаже, или приобретает дополнительные смыслы. «Котик» не входит в основную серию, а его пушистость противопоставляется гладким и ровным цветовым формам абстракций, вместе с тем изогнутая вышитая фигура подчеркивает нарратив.
«Дольмен №87» — из серии работ «Дольмены», посвященной корейским мегалитам. Что если переместить древние каменные сооружения из корейской провинции в руины русской усадьбы или, как произошло на этот раз, в здание бывшей бумажной фабрики? В этом есть наивная ирония — дольмены ставились на могилах знати и являлись порталом в иной мир. А теперь несоразмерный, балансирующий фланелевый дольмен небесно-голубого цвета — своеобразный оберег для стен фабрики, которая перешла в другой контекст и стала знаковой московской арт-площадкой — вера в силу и значимость искусства.
«Картофельные чипсы и кукурузные палочки» — хрупкая и практически невесомая инсталляция, захватившая всю видимую поверхность белого экрана в зале. Работа стала продолжением стрит-арт-проекта художницы «Скинь водички попить, а если с балкона, то я обойду дом».
Денис Уранов
Художник, культуролог, родился в 1994 году, живёт и работает в Томске.
«Кризис безобразия» (9 частей), 2019
С помощью статичных медиа художник работает с авторской мифологией, развивая циклы отличимых с позиции формы, но пересекающихся в своем содержании проектов. Денис старается прибегать к модернистскому методу, избегая повторений в выразительных средствах, адаптируя и искажая художественный язык.
Главный метод, которым пользуется художник в изобразительном искусстве, — деконструкция привычного современному человеку визуального ряда.
В данном случае он использует копирование классических полотен Пита Мондриана, имитируя гноящиеся разложения, нарушающие целостность математически-выверенных композиций.
Ната Янчур
Художник, родилась в 1990 году, живёт и работает в Минске и Москве. В экспозиции представлена серия дигитальных и аналоговых работ «Веселые картинки» и ассамбляж «Колёса».
Ассамбляж «Колёса» следует рассматривать как современную интерпретацию классического модернизма через абстрактный визуальный образ, который делает акцент на композицию и базовые круглые формы. В работе использованы автомобильная камера, колеса детской коляски.
Ассамбляж «Колёса» следует рассматривать как современную интерпретацию классического модернизма через абстрактный визуальный образ, который делает акцент на композицию и базовые круглые формы. В работе использованы автомобильная камера, колеса детской коляски.
В серии работ «Весёлые картинки» Ната изображает поиски среди огромного множества идей в современном искусстве. Сегодняшний мир изобилует сложносплетенными концепциями, которые оправдывают любые абсурдные произведения. Поэтому художник идет от обратного и исследует простоту и элементарность образов.
Ее идеи достигают кульминации в использовании цифровых технологий, свобода и непосредственность которых позволяет отсечь все лишнее и целиком погрузиться в суть изобразительного искусства. За кажущимися спонтанными линиями ее дигитальных работ скрываются поиски актуальных средств выражения через эксперименты с жестами и несовершенством. Художник подвергает сомнению представления о том, что такое законченная картина, с помощью тонко сбалансированных линий, случайного и преднамеренного изображения.
Ната рассматривает возможности деградации рисунка, приглашая зрителя к резкому неожиданному переживанию.
Авдей Тер-Оганьян
Ведущий художественной мастерской Среды обучения. Художник, родился 2 декабря 1961 в Ростове-на-Дону. С начала 80-х — один из лидеров неофициального ростовского художественного сообщества. В 90-х — один из главных представителей московского акционизма.
Работы Тер-Оганьяна находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея в Санкт-Петербурге, Государственном Центре современного искусства в Москве, Оклахомском художественном музее.
На отчете объединения студентов своей мастерской «Красный кружок» представил работу «Экспонат не трогать».
Работы Тер-Оганьяна находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея в Санкт-Петербурге, Государственном Центре современного искусства в Москве, Оклахомском художественном музее.
На отчете объединения студентов своей мастерской «Красный кружок» представил работу «Экспонат не трогать».
Авдей Тер-Оганьян об отчете «Красного кружка»
«Мы — я и мои друзья (еще давным-давно, в 80-е, в Ростове, а потом в 90-е, в Москве) — часто использовали такое определение, как смешно/не смешно, в смысле хорошо/плохо. Потому что все авангардистское искусство — это гротеск и карикатура на искусство вообще. Об этом много написано, не буду особенно доказывать, что юмор — ключ к пониманию авангардного искусства.
Это отчет мастерской студентов школы "Среда обучения". Я начал заниматься с ними прошлой осенью. И уже летом, благодаря нашей студентке Виолетте Гришиной, мы провели выставку в рамках Квартирной самарской триеннале (Виолетта, кроме того, что художник, еще и самарский куратор).
На этом, московском, отчете мастерской мы показываем в общем-то те же вещи, что и на самарской выставке, с небольшими добавлениями.
Летом я настоял, чтобы ребята сами отбирали работы для выставки. Это для них было еще одно учебное задание. Я в этот отбор совершенно не вмешивался. И когда приехал в Самару, остался очень доволен. Если как-то в чем-то я там и участвовал, то только в окончательном решении экспозиции. То же самое происходит и на этот раз, потому что своим ученикам я действительно и совершенно серьезно доверяю. За год работы у нас возник очень хороший творческий коллектив. Если мы еще годик-другой поработаем, то будем иметь группу первоклассных художников.
Самарскую выставку они назвали "Перламутровая пуговица". Насколько я понимаю, название подчеркивало эстетство (или эстетизм) — одно из главных качеств, на которое мы обращаем внимание в нашей школе. Вообще русское, и московское, искусство очень литературно. А мне всегда хотелось больше внимания уделять форме. И это название — "Перламутровая пуговица" — мне очень нравится. Оно наивное, слегка попсовое и подчеркивает, что главное в работе — красота. Оно меня вполне устроило бы и для отчета мастерской в Москве. Но после недавнего обсуждения мы решили, что выставки должны иметь разные названия. Если это другая выставка, то и название мы должны придумать новое. Ната придумала, по созвучию, название "Фиолетовая курица". Оно тоже хорошее. Но, в конце концов, мы пришли к концептуализирующему названию "Смешная выставка". Дело в том, что большая часть работ — так уж получилось — это абстрактные работы. Ничего смешного в них нет. Но если попытаться охарактеризовать их всех вместе, то это смешно. Потому что в этих работах мы старались показать — во всяком случае, я пытался это донести, — что главное в искусстве — ироническая критика визуальной культуры высокого модернизма.
Я — не большой теоретик, поэтому попросил ребят написать о самих себе самостоятельно. И в общем и целом они очень правильно написали о себе. Я бы написал о них примерно так же. В течение года мы достаточно подробно обсуждали работы, и теперь я лишний раз убедился, что мы правильно понимаем друг друга.
Наверное, мне просто повезло с таким уникальным подбором талантливых людей.
Ребята! Я не ожидал»
— Авдей Тер-Оганьян
Это отчет мастерской студентов школы "Среда обучения". Я начал заниматься с ними прошлой осенью. И уже летом, благодаря нашей студентке Виолетте Гришиной, мы провели выставку в рамках Квартирной самарской триеннале (Виолетта, кроме того, что художник, еще и самарский куратор).
На этом, московском, отчете мастерской мы показываем в общем-то те же вещи, что и на самарской выставке, с небольшими добавлениями.
Летом я настоял, чтобы ребята сами отбирали работы для выставки. Это для них было еще одно учебное задание. Я в этот отбор совершенно не вмешивался. И когда приехал в Самару, остался очень доволен. Если как-то в чем-то я там и участвовал, то только в окончательном решении экспозиции. То же самое происходит и на этот раз, потому что своим ученикам я действительно и совершенно серьезно доверяю. За год работы у нас возник очень хороший творческий коллектив. Если мы еще годик-другой поработаем, то будем иметь группу первоклассных художников.
Самарскую выставку они назвали "Перламутровая пуговица". Насколько я понимаю, название подчеркивало эстетство (или эстетизм) — одно из главных качеств, на которое мы обращаем внимание в нашей школе. Вообще русское, и московское, искусство очень литературно. А мне всегда хотелось больше внимания уделять форме. И это название — "Перламутровая пуговица" — мне очень нравится. Оно наивное, слегка попсовое и подчеркивает, что главное в работе — красота. Оно меня вполне устроило бы и для отчета мастерской в Москве. Но после недавнего обсуждения мы решили, что выставки должны иметь разные названия. Если это другая выставка, то и название мы должны придумать новое. Ната придумала, по созвучию, название "Фиолетовая курица". Оно тоже хорошее. Но, в конце концов, мы пришли к концептуализирующему названию "Смешная выставка". Дело в том, что большая часть работ — так уж получилось — это абстрактные работы. Ничего смешного в них нет. Но если попытаться охарактеризовать их всех вместе, то это смешно. Потому что в этих работах мы старались показать — во всяком случае, я пытался это донести, — что главное в искусстве — ироническая критика визуальной культуры высокого модернизма.
Я — не большой теоретик, поэтому попросил ребят написать о самих себе самостоятельно. И в общем и целом они очень правильно написали о себе. Я бы написал о них примерно так же. В течение года мы достаточно подробно обсуждали работы, и теперь я лишний раз убедился, что мы правильно понимаем друг друга.
Наверное, мне просто повезло с таким уникальным подбором талантливых людей.
Ребята! Я не ожидал»
— Авдей Тер-Оганьян
К ДРУГИМ МАТЕРИАЛАМ
Хотите регулярно получать образовательные материалы «Среды обучения»? Подпишитесь на нашу рассылку! Отправляя свои контактные данные, вы соглашаетесь с Политикой конфиденциальности